臺北的電磁波也在展場裡：讀坂本龍一《觀音．聽時》
北美館的坂本龍一展，把臺北的電磁訊號與降雨資訊接進作品。從YMO與電影配樂認識坂本龍一，再沿著《感測流》、《水的樣態1》與《async——沉浸》，理解聲音、材料與不同時間如何相遇。
北美館面向中庭的落地窗旁，一條帶狀 LED 顯示器沿著入口迴廊延伸。它接上的聲音與影像，來自館外天線接收的城市電磁訊號。《感測流 2026——不可見、不可聞（臺北版）》把臺北放進坂本龍一的展覽：這座城市不只提供場地，也提供作品轉譯的材料。北美館展覽新聞稿
2026 年 10 月 31 日至 2027 年 3 月 14 日，《坂本龍一︱觀音．聽時》在北美館展出七組大型裝置及相關文獻。從電磁波、降雨資料到彼此錯開的影像與音樂，這些作品讓「聽一首曲子」多出另一種尺度：聲音在哪裡發生、由什麼材料構成，以及眼睛和耳朵是否走在同一個時間裡。北美館展覽介紹
從 YMO 與電影配樂，走進美術館
坂本龍一（1952–2023）是日本作曲家、鋼琴家與音樂製作人，也是電子樂團 Yellow Magic Orchestra（YMO）的成員。1978 年，他與細野晴臣、高橋幸宏組成 YMO，把合成器與電子聲響帶進流行音樂；個人創作則持續跨越鋼琴、電子音樂與電影配樂。北美館藝術家介紹、坂本龍一官方生平
若從電影認識他，入口可能是《俘虜》（Merry Christmas, Mr. Lawrence）或《末代皇帝》（The Last Emperor）。前者的配樂獲英國影藝學院獎，後者的配樂獲奧斯卡與葛萊美獎。這些作品建立了他作為電影作曲家的國際聲譽，也讓聲音如何與影像相遇，成為理解他創作的一條線索。ICC 藝術家檔案
美術館裡的坂本龍一，與這段經歷相連。1999 年，他在多媒體歌劇《LIFE》邀高谷史郎擔任視覺總監，兩人此後把聲音、影像與物件的合作延伸成裝置。當音樂從舞台或銀幕走進展間，聆聽也多了空間的條件：聲音與影像不必同時發生，觀眾可以在不同位置停留。這正是《觀音．聽時》呈現的創作方向。坂本龍一官方生平
演奏照片：clemisan 原作，CC BY-SA 2.0。封面人物照：Joi Ito攝於2007年7月13日，原作，CC BY 2.0。兩圖皆全幅呈現，非本次展覽現場。
一條光帶，接上城市看不見的分區
《感測流》最早於 2014 年札幌國際藝術節發表。它在不同城市展出時，會依場地重新調整；北美館此次列出的作品名稱明確標為「2026」與「臺北版」。因此，若先前看過東京展的照片，來臺北要辨認的除了外形，還包括作品接上了哪一個地方的環境。ICC 作品檔案、北美館作品名錄
真鍋大度的原作說明，提到一個比「訊號變成漂亮影像」更具體的問題：廣播與電信業者各自使用獲配的頻段，這些看不見的分區，以及其中持續發生的活動，共同形成作品所觀察的環境。城市裡有街廓、門牌，也有不靠肉眼辨認的配置。真鍋大度《sensing-streams》作品檔案
這讓入口光帶有了不同的讀法。它接收的是日常通訊所依靠、平常卻不必特別留意的訊號，再透過裝置轉成聲音與影像。「不可聞」說的是訊號原先超出人的直接聽覺，不代表展場中的聲音早已藏在空中，只差把音量打開。中間存在感測與轉換，也存在創作者對呈現方式的選擇。
從這個角度看，作品留下的問題是：我們通常透過一則訊息、一通電話使用城市的通訊系統；當訊息內容退到背景，系統本身會呈現什麼樣子？
水滴落下之前，已經經過資料與機械
另一件把環境資料帶進展場的作品，是坂本龍一與高谷史郎的《水的樣態 1》。作品於 2013 年在山口情報藝術中心 YCAM 首次發表。YCAM 的作品檔案說明，研發團隊製作了能控制水滴落下的裝置，將氣象資料反映在水滴、聲音與光線的變化上。YCAM 作品檔案
水在這裡有一個直接的存在方式。YCAM 當年的製作說明記載，坂本龍一希望用實際的水工作，而不只藉由影像間接描繪水；團隊開發的裝置，讓這個想法有了可操作的形式。YCAM 2013 年展覽資料，第 5 頁
北美館此次的說明則提到，作品採用的降雨資訊包含臺北。水滴因此同時有兩個身分：一個是眼前真正落下、與水面相遇的水滴，另一個是經過設備安排、承接氣象資料的結果。館方公開文字未交代臺北資料的完整取樣期間與更新頻率，不能把每一滴都理解成「臺北此刻正在下的雨」。北美館作品說明
把它與《感測流》放在一起，會看見展覽裡很有意思的一條連線：水滴需要機械與資料，電磁訊號則需要被轉成感官可以接近的形式。自然材料和電子技術沒有各站一邊。兩件作品都在安排一道轉換，讓原本不容易察覺的變化，取得可以觀看與聆聽的尺度。
音樂與影像，可以各自走自己的時間
《async——沉浸》把另一種時間差帶進展間。北美館的 18 公尺 LED 影像牆，讓畫面逐步生成、分解與延展，聲音和影像則沿著非同步的時間軸展開。這件作品在坂本龍一辭世後完成，由高谷史郎延續兩人先前發展的創作方向。北美館展覽新聞稿
關於同一作品在東京的呈現，《美術手帖》2026 年 8 月的報導留下高谷史郎的說明：除部分文字等元素外，音樂與影像基本上沒有同步。報導也指出，觀眾可以選擇看整體、看細節，或把視線移開，讓聲音暫時成為注意力的中心。這段觀察有助於理解作品的方法，但東京的空間尺寸與設備不宜直接套用到北美館。《美術手帖》東京展場報導
平常看電影，配樂常協助我們判讀畫面：某個聲音出現，某個動作發生，兩者一起把情緒帶往下一段。在《async》的關係裡，這種對應可以鬆開。畫面正在形成時，音樂未必替它提供一個確定的答案；同一個視覺片段與不同聲音相遇，也可能留下不同的聯想。
坂本龍一在 2017 年接受松井茂訪問時，曾談到想做多種時間同時前進、沒有單一中心速度的音樂。他舉出的例子，是李給悌以一百個節拍器構成的《交響詩》。從這段談話回看展場，非同步便不只是讓影像跟音樂「對不準」，而是把聆聽的注意力從單一路線打開。《美術手帖》坂本龍一訪談
噪音進來了，音樂沒有因此離開
不過，把坂本龍一的晚期創作全說成放下旋律、擁抱環境聲，也會漏掉他的猶豫。同一篇訪談裡，他回憶《async》最初從收集自己想聽的聲音開始，包含雨聲與摩擦物件的聲音；收集了一段時間，他又察覺其中仍需要「音樂」的成分，於是把這個需求加回作品。《美術手帖》訪談首篇
這段自述讓展覽少了一種容易套上的結論：眼前的聲光裝置，並沒有要求觀眾把熟悉的音樂經驗全部忘掉。它們延伸的是音樂可以怎麼發生。物件的響聲、環境資料、被錄下的日常，與作曲的選擇仍然彼此牽連。
合作也持續改變作品的樣子。ICC 保存的《感測流》2023 年版本紀錄指出，坂本龍一生前曾與真鍋大度討論更新構想；作品往後仍會隨不同場地發展。來到臺北，它接上北美館之外的訊號，也讓回顧展多了一個正在運作的現在。ICC 版本紀錄
於是，北美館裡同時有幾種距離：一位音樂家留下的創作、合作夥伴延續的工作，以及展覽所在城市今天仍在變化的環境。入口那條光帶，把其中一種距離接得很近。臺北就在窗外，也經過轉換，進了展場。
圖片授權：Yu tptw 原作，CC BY-SA 4.0。全幅呈現。
展覽資訊
- 展期：2026 年 10 月 31 日至 2027 年 3 月 14 日。
- 地點：臺北市立美術館一樓 1A、1B 展覽室，臺北市中山區中山北路三段 181 號。
- 開館：週二至週五及週日 09:30–17:30；週六延長至 20:30；週一休館。時間均為 Asia/Taipei。
- 入場：採網路預約，少量現場候補不保證入場。一般票 30 元；優惠與免票資格依館方規定，週六 17:00、18:00、19:00 場次可預約 0 元票。
- 導覽與拍攝：館方不開放展場內導覽，可在進場前聽語音導覽；僅部分作品開放拍攝，請依各展區告示。
本文依北美館公開資料、作品原始製作紀錄、坂本龍一訪談與藝術報導整理，未親訪本次展覽。作品之間的關聯為編輯閱讀；資料核對於 2026 年 11 月 4 日（Asia/Taipei）。